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L’exposition

Peinture italienne

L'image représente une scène dramatique et émotive, probablement inspirée par le moment de la mise au tombeau du Christ. On y voit plusieurs figures entourant un corps sans vie, probablement celui de Jésus. Les personnages affichent des expressions de tristesse et de douleur. Un homme à gauche se cache le visage avec un chiffon, tandis qu'un autre semble contempler le corps avec une grande peine. Les vêtements des personnages sont sombres, créant une ambiance sombre, tandis qu'un drap blanc recouvre le corps, symbolisant la pureté et le deuil. Le tableau dégage une atmosphère de recueillement intense et de compassion. — **Leonello Spada**
*Lamentation sur le Christ mort,* Vers 1610 - 1611
Huile sur toile, 120 cm × 158 cm
2012.10.1

Musée Fabre Achat de la Communauté d’Agglomération de Montpellier, 2012

Depuis sa fondation en 1825, le musée Fabre conserve un important ensemble de tableaux italiens du XVI^e et surtout du XVII^e siècle, dont l’enrichissement se poursuit aujourd’hui. Cette singularité s’explique par le goût de son fondateur François-Xavier Fabre (1766-1837) : né à Montpellier, ce peintre et collectionneur résida pendant plus de trente ans à Rome puis à Florence. Il se prit de passion pour les artistes de la péninsule italienne, notamment les peintres florentins et bolonais du XVII^e siècle. À son retour à Montpellier, Fabre offrit ainsi une centaine de tableaux italiens à sa ville natale.

La politique d’acquisition montpelliéraine s’efforce aujourd’hui de perpétuer ce goût, tout en ouvrant la collection vers des mouvements et des territoires italiens jusqu’alors peu représentés. La peinture caravagesque, très appréciée du public contemporain, trouve sa magistrale et pathétique expression dans La Déploration sur le Christ mort, de Leonello Spada, acquise en 2012. La peinture napolitaine a également fait l’objet d’une attention toute particulière : depuis 2013, des toiles d’Andrea Vaccaro, de Bernardo Cavallino, de Salvator Rosa et tout récemment, une spectaculaire Judith et Olopherne de Filippo Vitale (exposée à partir 27 janvier) illustrent le sens du drame et le goût du clair-obscur propre aux peintres de cette cité. Le Mariage mystique de sainte Catherine du Génois Giovanni Battista Paggi (visible jusqu’au 26 janvier) propose une autre esthétique, à la fois dévote et précieuse, à l’orée du XVII^e siècle.

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L'histoire de la collection italienne

Filipo Vitale, Judith et Holopherne, vers 1635, Huile sur toile, 126 x 154 cm, Inv. 2020.34.1

Sébastien Bourdon et le Grand Siècle

Né à Montpellier en 1616, le peintre Sébastien Bourdon est un artiste de tout premier plan du XVII^e siècle français, époque majeure d’épanouissement des arts surnommée le « Grand Siècle ». Sa carrière d’ampleur européenne le mène à Rome, à Paris et jusqu’à Stockholm. Il s’intéresse à tous les genres et pratique la peinture religieuse, mythologique ainsi que le paysage et les scènes de bataille ou de taverne. Curieux de tous les styles, il s’inspire des scènes truculentes des peintres nordiques, des mythologies séduisantes du jeune Nicolas Poussin son aîné, avant d’évoluer vers un classicisme à l’éloquence démonstrative. Le musée Fabre est particulièrement attentif à proposer le plus riche résumé de toutes les facettes de ce peintre majeur.

Les contemporains de Bourdon, ses modèles ou ses collègues, ne sont pas en reste. C’est ainsi qu’une Diseuse de bonne aventure, inspirée de Caravage et peinte par Jean Tassel, de même qu’une composition religieuse au classicisme sévère d’Eustache Le Sueur, ont récemment rejoint les collections.

L'image représente une scène bucolique et mythologique, typique de la peinture de paysage classique. On y voit plusieurs figures humaines, souvent nues, engagées dans diverses activités, comme la pêche ou la récolte. L'environnement est riche en éléments naturels, avec des arbres luxuriants, une lumière douce qui semble provenir d'un coucher de soleil, et un ciel nuageux. Les personnages semblent interagir harmonieuement avec la nature, créant une atmosphère de paix et d'harmonie. Ce tableau évoque des thèmes de la mythologie et de la beauté naturelle. — **Nicolas Poussin**
*Vénus et Adonis. Paysage de Grottaferrata,* Vers 1626
Huile sur toile,
825.1.171

Musée Fabre Don François-Xavier Fabre, 1825

Le tableau de Nicolas Poussin, Vénus et Adonis, à la fois poétique et sensuel, avait été coupé en deux parties vers la fin du XVIII^e siècle. La partie droite, illustrant l’étreinte de la déesse de l’amour et du jeune chasseur, fut donnée par Fabre en 1825. La partie gauche, avec le dieu fleuve, fut quant à elle achetée il y a dix ans grâce aux efforts conjoints de l’Agglomération de Montpellier, de la Région Languedoc-Roussillon, du Ministère de la Culture et de nombreuses entreprises mécènes. Cette acquisition rend toute son ampleur à cette œuvre de jeunesse de Poussin et illustre la capacité des musées à reconstituer un patrimoine parfois amputé par l’histoire.

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Visite virtuelle de la salle des griffons

Jean Tassel, La Diseuse de bonne aventure, vers 1645-1650, huile sur toile, 99 cm × 137 cm, 2014.9.1

Fabre et son temps

**Jean Baptiste Mallet**
*L’Hymen,* Vers 1800-1810
Huile sur toile, 32 cm × 40 cm
2017.10.1

Musée Fabre

François-Xavier Fabre, collectionneur et fondateur du musée de Montpellier, fut également peintre : élève de David, lauréat du Grand Prix de l’Académie, formé à la peinture d’histoire à Rome, il devient un portraitiste particulièrement prisé par la clientèle cosmopolite de Florence. Par ses acquisitions, le musée s’efforce d’assoir pleinement cette stature de peintre et d’évoquer les multiples aspects de son art et l’évolution de sa carrière des années 1780 jusqu’à sa mort en 1837.

À cette époque, le goût néoclassique, qui prône la rectitude de la ligne, la simplicité des formes et l’élégance du style, se diffuse en Europe. Fabre, qui s’intègre pleinement à ce mouvement artistique, eut à cœur de collectionner des œuvres de ses contemporains partageant ses principes.

Cette démarche, poursuivie jusqu’à nos jours, fait du musée de Montpellier une des collections les plus riches de France et du monde en art néoclassique, de la fin du XVIII^e et du début du XIX^e siècle.

Les compositions de Bidauld et de Valenciennes révèlent une conception renouvelée du paysage : qu’il s’agisse de narrer un récit mythologique ou de dépeindre un site pittoresque, l’artiste fonde sa composition sur une connaissance précise de la nature, de la lumière et des effets atmosphériques. Les tableaux de Mallet et de Gagneraux, inspirés du langage de l’Antiquité, illustrent le goût de l’allégorie sentimentale. La Tendresse conjugale de Louis Léopold Boilly propose un goût différent : sensible à la lumière et aux coloris des Hollandais du XVII^e siècle, il propose une chronique tendre et attachante de la vie bourgeoise de son temps.

Louis Léopold Boilly, La Tendresse conjugale, vers 1807-1810, huile sur bois, 52,5 x 43,5 cm, inv. 2021.5.1

Le bel ouvrage montpelliérain

La restructuration de l’hôtel de Cabrières-Sabatier d’Espeyran s’est fondée sur le principe d’y développer le département des arts décoratifs du musée Fabre. Dès lors il a été décidé d’élargir les collections aux grandes productions traditionnelles, principalement dans les domaines de la faïence d’apothicairerie et de l’orfèvrerie, contemporaines de l’essor de la ville de Montpellier aux XVII^e et XVIII^e siècles. La société des amis du musée Fabre, ainsi que la Fondation d’entreprise ont largement contribué à cette nouvelle orientation à travers notamment les acquisitions de pièces remarquables des premiers ateliers de céramique ou de la manufacture royale Jacques Ollivier pour la faïence et, pour l’orfèvrerie, de la dynastie des Bazille, maîtres-orfèvres sur plusieurs générations.

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Revisiter l'exposition “Pharmacopées”

Toutes les époques connaissent leurs chantiers d’envergure et le projet qui a agité tout le XVIII^e siècle à Montpellier est celui de la place du Peyrou qui domine la ville, doublé de celui de la construction de l’aqueduc des Arceaux pour alimenter la ville en eaux. Ces grands travaux n’ont pas manqué de frapper l’imagination des artistes et de les solliciter dans les programmes décoratifs monumentaux.

Le sculpteur Etienne d’Antoine reçoit la commande de la fontaine des Trois Grâces ainsi que celle des Licornes, tandis que Jean Journet, natif de Sumène, réalise une fontaine représentant Montpellier sous les traits de Cybèle, distribuant les eaux aux habitants, désormais place Chabaneau. Le grand sculpteur Augustin Pajou, dont le spectaculaire buste du parfumeur Riban trône au milieu de la salle, a également participé aux projets de décor, non exécutés, de cette promenade royale qui a également inspiré de manière inédite le décor en façade d’une commode fabriquée à la fin du XVIII^e siècle, peut-être dans le cadre des festivités inaugurales de la place.

Pa ailleurs, les peintres ont également joué un grand rôle dans le dynamisme culturel de Montpellier au XVIII^e siècle : par exemple Dominique Van der Burch, ou encore Jean Coustou, ont contribué par leurs peintures ornementales, à décorer les intérieurs des hôtels particuliers ou des églises, mais aussi à l’animation de la Société des beaux-arts fondée en 1779. Le peintre Joseph Marie Vien contribuait également à la renommée, mais à une autre échelle, de sa ville natale, en devenant directeur de l’Académie de France à Rome en 1775.

Manufacture Jacques Olivier, Plat, décor à la Bérain,, XVII^e siècle, faïence stannifère, décor de grand feu en camaïeu bleu, 46 x 34,5 x 4,5 cm, inv. 2010.1.1.

Promenade dans Rome

Depuis la Renaissance, la Ville éternelle attire les voyageurs, désireux de découvrir les vestiges et monuments antiques des Romains. Mais ce voyage initiatique prend pour les peintres une ampleur inédite à la fin du XVIII^e siècle et tout au long du XIX^e siècle.

Les artistes cherchent à renouveler leur démarche, en mêlant une connaissance archéologique de l’Antiquité à une observation des sites et des mœurs italiennes. La collection du musée Fabre est profondément marquée par ces trajectoires, et continue à s’enrichir de ces exemples aujourd’hui.

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Visite virtuelle - Vision romantique et Idéal classique

À l’aube ou à midi, les inflexions de la lumière sur la physionomie d’un paysage fascinent le peintre anglais Joseph Wright of Derby comme le Suisse François Sablet. Le Belge Philippe Van Brée et l’Allemand Henri Lehmann cherchent à retrouver le beau-idéal à travers les silhouettes pittoresques du peuple de Rome. Pour Dominique Papety, fidèle émule d’Ingres, une connaissance approfondie de l’archéologie permet de faire surgir, dans ses Femmes à la fontaine, une vision inédite de l’Antiquité, cohérente, tangible et colorée. Plus sensible à l’époque de la Renaissance, le Montpelliérain Alexandre Cabanel propose une mise en scène saisissante de l’atelier de Michel Ange : perdu dans ses méditations, l’artiste tourmenté ne remarque pas l’arrivée du pape Jules II et de sa cour. Son élève Louis-Emile Adan, sans doute influencé par la photographie naissante, adopte une démarche plus réaliste, en peignant largement le spectacle d’un prêche dans une église de Rome.

Cette image représente une jeune femme au port élégant, vêtue d'une tenue traditionnelle. Elle porte un foulard sur la tête et une chemise blanche, ainsi qu'une jupe colorée. Elle se tient de profil, avec un sourire subtil, tout en portant sur son épaule une branche chargée de raisins et de feuilles. En arrière-plan, un paysage naturel fait de collines et d'une mer bleue s'étend sous un ciel lumineux et dégagé. L'ensemble dégage une impression de fraîcheur et de vitalité, accentuant la beauté du monde rural. — **Henri Lehmann**
*Mariuccia,* 1841
Huile sur toile, 96 cm × 71 cm
2016.16.1

Achat de Montpellier Méditerranée Métropole en 2016

Dominique Papety, Femmes à la fontaine, entre 1839 et 1840, huile sur toile, 96 x 135 cm, inv. 2010.17.1

Chefs d’œuvre de papier, beautés fragiles

François-Xavier Fabre, en donnant toute sa collection de dessins et gravures, soit plus de mille pièces, constituait le premier cabinet d’arts graphiques contemporain de la création du musée. Il se composait alors selon deux axes majeurs : un premier ensemble correspondant à ses goûts de collectionneur et d’artiste formé à l’école néoclassique, avec les dessins italiens et français de la Renaissance au XVIII^e siècle ; et un second ensemble, tout aussi important, formé de ses propres dessins, près de six cents, préparatoires ou aboutis, qui décrivent de façon exemplaire sa pratique artistique.

Depuis, d’importantes donations se sont succédé au XIX^e siècle, Valedau, Bruyas, Bonnet-Mel et Canonge, venant conforter et élargir le fonds de Fabre collectionneur. Le XX^e siècle a quant à lui poursuivi la tradition initiée par Fabre artiste avec l’acquisition d’ensembles monographiques, par exemple de Vincent Bioulès, Alexandre Hollan, Daniel Dezeuze, Dominique Gauthier, Christian Jaccard ou d’autres encore à venir, pour lesquels le dessin ou l’œuvre sur papier occupent une place fondamentale dans la pratique de leur art.

Aujourd’hui, la fragilité constitutive des œuvres graphiques, dont les supports et certaines techniques supportent mal l’exposition à la lumière ou à l’humidité, oblige, pour des raisons de préservation, à un strict contrôle du climat, de la lumière mais aussi de la durée de présentation. Ces contraintes d’exposition spécifiques comptent également dans le choix des acquisitions pour le cabinet des dessins.

Ainsi toutes les opportunités d’enrichir les collections pour les artistes de référence tels que François Xavier Fabre, Dominique Papety ou encore Alexandre Cabanel et, plus largement tous les artistes ayant un lien avec la région, sont privilégiées et surveillées avec attention. À titre d’exemple, un solide fonds de référence se construit depuis plus d’une vingtaine d’années pour l’œuvre du peintre, dessinateur et écrivain Jean Hugo, arrière-petit-fils de l’illustre poète.

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Le cabinet des arts graphiques, présenté par Florence Hudowicz

François-Xavier Fabre, Bélisaire, vers 1789-1800, plume, encre métallogallique et encre noire, lavis d’encre métallogallique sur dessin au crayon graphite sur papier vergé, 20,5 x 15,1 cm

Paysages méridionaux

L’émergence de la représentation de sites méridionaux en peinture est l’une des tendances fortes de l’art du paysage au cours du XIX^e siècle, et constitue l’un des axes majeurs des collections du musée Fabre.

Les tableaux languedociens de Gustave Courbet, qui séjourne à Montpellier durant l’été 1854, puis les peintures de Frédéric Bazille, témoignent de l’apparition d’une sensibilité particulière à la lumière du Midi, à l’aube de l’impressionnisme. L’ensemble de lettres, tout récemment acquis, issu de la correspondance du jeune peintre avec sa famille atteste de la nécessité du lien avec son environnement natal. L’artiste montpelliérain, bien qu’installé à Paris, s’inspire dans nombre de ses œuvres de la terre de son enfance, et du domaine de Méric tout particulièrement. Il devient l’une des figures de référence de la scène artistique régionale tout au long du siècle suivant.

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Hommage à Frédéric Bazille

Si son cousin Max Leenhardt, son contemporain Edouard Marsal, et, plus récemment, Philippe Pradalié, aiment à donner à voir la vie sociale et les mutations de leur époque au sein de ces paysages lumineux, de nombreux peintres se sont attachés à en retranscrire la beauté austère et dénudée, à l’instar de Jules Laurens et Vincent Bioulès dans leurs toiles et aquarelles.

**Philippe Pradalié**
*Hommage à Nicolas Poussin - L’Automne - Pomone et Vertumne,* 2010
Huile sur toile, 205 cm × 270 cm

Ancien élève de l’école des beaux-arts de Montpellier, le peintre Jean-Pierre Blanche, établi près d’Aix-en-Provence, continue d’exprimer au plus juste le rendu matériel et temporel de la lumière à travers des motifs de prédilection : les arbres et les atmosphères du crépuscule autour de la Bastide où il habite. La diversité des paysages, la force solaire mais également les mystères naturels des pourtours de la Méditerranée ont inspiré bien au-delà des frontières nationales, en atteste l’énigmatique Île Maïre, des environs de Marseille, du Danois Larsen.

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Le musée déconfiné

Édouard Antoine Marsal, Palavas-les-Flots, 1889, huile sur toile, 55 cm × 100 cm

George-Daniel de Monfreid et Auguste Chabaud, figures de la modernité

Depuis ces quinze dernières années, le musée, s’il a poursuivi le développement de ses collections dans lignée de ses fondateurs et grands donateurs du XIX^e siècle, a également constitué de nouveaux fonds autour de figures importantes, au croisement des réseaux artistiques parisiens et de la scène picturale du Midi.

Entre 2017 et 2021, ont ainsi été acquises six œuvres de l’artiste George-Daniel de Monfreid, jusqu’alors absent du fonds du musée. Peintre et collectionneur d’art, ce dernier naît à New York en 1856 et passe son enfance dans les Pyrénées avant de s’orienter vers la peinture et suivre des cours à l’Académie Julian à Paris. Il devient alors l’ami de nombreux artistes et poètes dont Paul Verlaine, Victor Segalen, Aristide Maillol, et surtout Paul Gauguin qu’il rencontre en 1887 et dont il deviendra le confident mais également l’un de ses premiers biographes et mécènes. Il expose pour la première fois au Salon de Toulouse, puis au Salon des artistes français à Paris en 1877 et participe à l’exposition de peintures du Groupe impressionniste et synthétiste au Café des Arts aménagé par M. Volpini pendant l’Exposition Universelle. En 1891, il expose pour la première fois au Salon des Indépendants. Si l’œuvre de Monfreid s’inscrit d’abord dans le mouvement pointilliste, son style se rapproche au tournant du XX^e siècle de celui de Gauguin et du groupe des Nabis dont il est proche.

Si l’œuvre d’Auguste Chabaud avait fait l’objet d’une acquisition par la Ville de Montpellier en 1940, six tableaux et plusieurs dessins du peintre ont pu entrer dans les collections grâce à des dons et achats ces dix dernières années. Né à Nîmes, entré à l’école des beaux-arts d’Avignon en 1896, Auguste Chabaud part à Paris poursuivre ses études à l’Académie Julian et à École des beaux-arts, dans l’atelier de Fernand Cormon où il rencontre notamment Henri Matisse et André Derain. C’est lors de son service militaire en Tunisie, entre 1903 et 1906, remplissant des carnets de croquis, qu’il s’attache à représenter la vie locale, dont le quotidien des soldats et des communautés indigènes. À son retour à Paris, il expose en 1907 au Salon des Indépendants parmi les fauves, proposant, dans une veine colorée outrancière, une vision désenchantée de la modernité. Il dépeint l’atmosphère de la nuit parisienne, des cabarets et des maisons closes. Ce n’est qu’après la Première Guerre mondiale qu’il s’installe à nouveau dans le Midi, à Graveson. Il se consacre alors principalement à la peinture de scènes et de paysages de la région, dans des teintes plus froides et terreuses.

George-Daniel de Monfreid, Le peintre René Andreau, 1895, huile sur toile, 97,5 x 130,5 cm, inv. 2020.19.1.

Nouvelles voies de l’abstraction

L'image montre un panneau composé de plusieurs bandes disposées verticalement, en noir et dans des nuances variées. Chaque bande présente un motif en diagonale, créant un effet texturé et dynamique. Les surfaces semblent brillantes et réfléchissantes, ajoutant une profondeur visuelle à l'ensemble de la composition. — **Pierre Soulages**
*Peinture 181 x 405 cm, 12 avril 2012,* 2012
acrylique sur toile, 181 cm × 405 cm
2013.7.1

Musée Fabre Donation de la Fondation d’Entreprise du musée Fabre, 2013

Au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, l’abstraction devient le courant dominant de la scène artistique française. Celle-ci, défendue par des critiques, des galeries et des salons, se déploie sous différentes formes, de l’abstraction dite lyrique à l’abstraction géométrique. Alors que dès les années 1940 l’art moderne fait son entrée au musée Fabre, d’éminentes figures de la peinture abstraite y bénéficient de plusieurs expositions et de premières acquisitions, notamment Pierre Soulages en 1975, lui qui avait étudié brièvement, trente ans plus tôt, à l’école des beaux-arts de Montpellier.

Dans cette lignée, le musée Fabre entreprend depuis une vingtaine d’année la constitution d’un fonds cohérent et représentatif de la peinture abstraite en France d’après-guerre. En 2005, une donation d’une vingtaine d’œuvres de l’artiste aveyronnais, maître de « l’outrenoir » et représentant majeur de l’abstraction française, a considérablement enrichie les collections du musée, complétées par un nouveau don en 2013 de la Fondation d’entreprise du musée Fabre.

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Soulages à Montpellier

Cette dernière a très largement contribué aux acquisitions relatives aux différentes voies de l’abstraction. L’art du monochrome tout d’abord, avec l’achat d’une œuvre de Geneviève Asse, également à l’origine d’une importante donation en 2013. Le travail de la peintre bretonne, récemment décédée, est d’abord caractérisé par la production de natures mortes et de paysages, avant d’évoluer au tournant des années 1960 vers une abstraction totale, dans laquelle l’artiste étudie la lumière et les jeux de transparence. A partir des années 1980, Geneviève Asse s’adonne exclusivement à des recherches chromatiques sur le bleu à la manière de l’exploration du noir par Pierre Soulages.

Chez Martin Barré, une même réduction des moyens picturaux est à l’œuvre, l’artiste nantais s’intéressant à l’espace même du tableau où la peinture se révèle.

Dès les années 1960, le peintre travaille directement avec un tube de peinture tranché, qui devient son outil, et n’intervient que sur une partie très réduite de la toile, se concentrant sur ses bords. Cette tension entre les éléments formels se retrouve dans l’œuvre de Didier Demozay, héritier de l’abstraction parisienne mais plus encore de l’art américain qu’il découvre chez le galerie Jean Fournier. Son écriture tremblée côtoie d’imposants aplats de couleurs, qui font écho, comme chez Barré, à la structure du tableau.

La mouvance Supports/Surfaces

**Pierre Buraglio**
*Embellie I,* 2013
Peinture sur contreplaqué, 130 cm × 195 cm

Parfois considéré comme la dernière avant-garde du XX^e siècle, bien que ses protagonistes aient toujours rejeté cette notion, le groupe Supports/Surfaces se forme officiellement en 1970 à l’occasion d’une exposition du même nom au Musée d’art moderne de la ville de Paris. Cette exposition réunit Vincent Bioulès, Marc Devade, Daniel Dezeuze, Patrick Saytour, André Valensi et Claude Viallat. Ces artistes sont rejoints par André-Pierre Arnal, Louis Cane, Noël Dolla, Toni Grand et Jean-Pierre Pincemin, lors de trois autres expositions tenues sous l’appellation Supports/Surfaces, et dont la dernière aura lieu en 1972, au Centre Lacordaire à Montpellier. Ces expositions marquent ce que d’aucuns appellent « le retour à la peinture », mais avec des moyens radicalement nouveaux : l’utilisation de la toile libre, le refus du pinceau, la simplicité des schémas de composition, la banalité du matériau observé d’un point de vue formel, sont autant de procédés mis en œuvre afin de laisser visible et immédiatement perceptible la manière dont la toile est faite. Les membres du groupe se connaissent pour la plupart depuis le milieu des années 1960.

En 1970, a ainsi lieu à Montpellier, à l’initiative de certains membres fondateurs du groupe, « Cent artistes dans la ville », manifestation qui permet l’investissement par l’art de l’espace public. Les artistes s’intéressent davantage à la perception globale de l’espace où l’ensemble des œuvres se déploient qu’à chacune des pièces prises individuellement. Ces artistes opèrent une critique analytique du tableau traditionnel qui repose autant sur l’esthétique que sur l’éthique. Dans un contexte politique fortement marqué par le marxisme et le maoïsme, ces artistes partagent la volonté militante de placer l’œuvre d’art au cœur de la vie quotidienne, dans une comparaison avec le travail de l’artisan.

Ce mouvement réunit de nombreux artistes originaires de la région de Montpellier et passés par l’école des beaux-arts de la ville. C’est pourquoi, depuis la fin des années 1990, le musée Fabre a constitué un fonds exceptionnel autour des représentants de ce mouvement et de ses filiations, avec plus d’une centaine de toiles et œuvres en volumes qui évoquent la diversité des pratiques du groupe. Cet ensemble n’aurait pu exister sans la générosité des artistes eux-mêmes qui ont fait don de nombreuses de leurs œuvres au musée, comme c’est le cas de l’intégralité de celles présentées dans cette salle.