Guide de l’exposition

Pendant leurs quatre années de résidence au Palais Mancini, les pensionnaires sont soumis à un règlement strict, contraints de ne travailler que pour le roi qui finance leur séjour. Pourtant les deux directeurs, Lagrenée et Ménageot, autorisent des entorses : de 1784 à 1789, Gauffier peint chaque année des tableaux d’histoire, dont les sujets sont tirés de la Bible ou de l’histoire antique. Présentés dans les expositions des pensionnaires, le 25 août, jour de la Saint-Louis, ils sont admirés avec enthousiasme par le public romain. Des amateurs français en voyage à Rome les achètent et permettent au jeune homme de se faire un nom. Au fil des années, Gauffier et son camarade Drouais deviennent les deux talents les plus prometteurs de l’école française.

Dans ses tableaux d’histoire, Gauffier adhère pleinement à l’esthétique néoclassique qui traverse la peinture européenne. La sculpture et l’architecture antiques, les peintres classiques de la Renaissance et du XVII^e siècle, Raphaël, Nicolas Poussin ou Eustache Le Sueur, sont alors conçus comme des modèles absolus et inspirent le jeune artiste. Parmi les peintres vivants, David, qui séjourne à Rome de 1775 à 1780 puis de 1784 à 1785, apparaît comme le chef de file de cette esthétique nouvelle. Gauffier, qui ne fut pas son élève, prend ses distances avec le maître. Les actions violentes et les sujets guerriers sont absents de son art. Ses peintures tirées de l’Ancien Testament s’inscrivent dans des paysages radieux qui expriment une sensibilité idyllique, pastorale, primitive. Ses compositions inspirées de l’histoire antique manifestent une curiosité archéologique sans borne, un goût savant pour les objets et le mobilier, un raffinement gracieux dans l’exécution.

Le climat de Rome et une santé fragile accablent régulièrement le peintre de fièvres, de maux de tête, de faiblesses respiratoires. Gauffier et Drouais tombent tous deux gravement malades durant l’hiver 1787-1788. Drouais succombe le 13 février 1788, à l’âge de 24 ans, tandis que Gauffier se rétablit. Ce décès tragique bouleverse tous les pensionnaires, mais place aussi Gauffier dans une position dominante.

Arrivé au terme de son séjour au Palais Mancini, Gauffier regagne Paris en avril 1789. Pour la première fois, il va participer au Salon et révéler son art au public parisien. Le 24 août, la veille de l’inauguration de l’exposition, il se présente au jugement des académiciens pour rejoindre l’institution. C’est à la même époque que débute la Révolution, avec l’ouverture des États généraux le 5 mai, le serment du Jeu de Paume le 20 juin, la prise de la Bastille le 14 juillet et l’abolition des privilèges le 4 août. La noblesse, cliente habituelle des artistes, fuit Paris et émigre à l’étranger. Cet effondrement de la commande convainc Gauffier de retourner à Rome en décembre : il ne regagnera jamais la France. Le peintre s’était également lié à une jeune fille appartenant à une famille française installée en Italie, Pauline Châtillon, qu’il avait formée à la peinture, et qu’il épouse en avril 1790.

Durant la Révolution, les débats politiques et les valeurs collectives sollicitent la culture antique, à commencer par l’histoire de la République romaine. Le 7 septembre 1789, une délégation de femmes artistes, d’épouses de peintres et de sculpteurs, mesdames David, Suvée, Lagrenée, Vien, etc., se rendent à Versailles pour offrir leurs bijoux à l’Assemblée nationale et contribuer au renflouement de la dette publique. Ces « citoyennes vertueuses » rejouaient un épisode de l’histoire antique, au cours duquel les femmes romaines offrirent leur parure à la République. Attentif à cette actualité, Gauffier peignit La Générosité des femmes romaines qu’il fit exposer au Salon de 1791. Le dévouement civique et les vertus exemplaires de l’Antiquité que les artistes avaient illustrés dès les années 1780 rejoignaient l’actualité politique la plus brûlante.

« Peu habitué à peindre le grand » selon le mot de Lagrenée, Gauffier a toujours favorisé les œuvres de petit format, dédiées à une clientèle d’amateurs privés. Qu’elles soient peintes sur toile ou sur panneau de bois, ces petites peintures révèlent son habileté de miniaturiste, sa manière fine et son goût délicat. Ces tableaux se distinguent des compositions monumentales peintes par David, par ses émules et ses élèves. Elles témoignent d’un penchant particulier pour le registre tendre et amoureux : la préciosité du sentiment répond à la préciosité du pinceau.

Son répertoire ne se réduit pas aux drames de l’histoire grecque ou romaine. Gauffier apprécie les mythologies amoureuses d’Ovide, le poète latin des Métamorphoses. Il puise dans la Jérusalem délivrée, l’épopée du Tasse (1544-1595), écrivain italien de la Renaissance, qui multiplie dans un Moyen Âge fabuleux les récits courtois autour de la première croisade. Les idylles et les pastorales du Suisse Salomon Gessner (1730-1788), précurseur de Jean-Jacques Rousseau, lui inspirent des sujets nouveaux. Les méditations de Bernardin de Saint-Pierre (1737-1814), son regard contemplatif sur la nature, éveillent chez Gauffier un intérêt pour l’allégorie. Toutes ces inspirations littéraires contribuent à définir un art doux et sensible, tendre et sincère.

L’épouse de Louis, Pauline Gauffier, se spécialise quant à elle dans la scène de genre. Son œuvre, encore très méconnu, illustre des figures du petit peuple de Rome en costume traditionnel. Derrière un ton en apparence prosaïque, ses sujets mêlent toujours la nostalgie de la vie simple à la leçon morale.

De tous les clients de Gauffier, le plus fidèle est sans conteste Thomas Hope (1769-1831). Issu d’une dynastie de banquiers écossais établie aux Pays-Bas, Hope est l’héritier d’une famille de grands amateurs d’art. Indifférent aux affaires, le jeune homme mène de 1787 à 1798 de multiples voyages à travers l’Europe et la Méditerranée qui le conduisent non seulement en Italie, mais aussi en Grèce, en Anatolie et en Égypte, trois contrées alors difficilement accessibles et peu visitées. Il y achète une multitude d’œuvres d’art, des sculptures grecques et romaines, des momies et des vases canopes égyptiens ainsi que des tableaux de grands maîtres et des peintures d’artistes vivants.

C’est à Rome au début des année 1790, que Hope fait la connaissance de Gauffier, auquel il commande successivement six tableaux. Le peintre lui transmit sans doute son intérêt pour le décor, le mobilier et les accessoires antiquisants, ainsi que sa curiosité, au-delà de la Rome antique, pour la Grèce ancienne et pour l’Égypte pharaonique.

En 1799, Hope se fixe à Londres et acquiert à Duchess Street une demeure qu’il réaménage entièrement. Chaque pièce, conçue par ses soins, est parée d’un décor singulier propre à exposer les différents pans de sa collection. Cette section évoque la plus célèbre d’entre elles, l’Egyptian Room, qui accueillait les peintures de Gauffier. En véritable designer, Hope s’inspire d’objets inventés par le peintre dans ses tableaux pour concevoir des pièces d’orfèvrerie et de mobilier. Son désir de réformer le goût contribua largement à définir en Angleterre le style Regency au début du XIX^e siècle.

Le durcissement de la Révolution suscite à Rome la suspicion à l’égard des Français, culminant dans deux violentes émeutes en janvier et février 1793. Louis et Pauline Gauffier sont contraints de fuir et s’établissent à Florence, accompagnés de Gagneraux, de Sablet et du lauréat du grand prix de 1787, François-Xavier Fabre. Coupé de son pays, considéré comme émigré et traître à sa patrie, Gauffier aborde un tournant dans sa carrière : promis à de grandes commandes de l’État, il est désormais en affaire avec des voyageurs venus de toute l’Europe et engagés dans leur Grand Tour de l’Italie ; spécialisé dans la peinture d’histoire, il devient le portraitiste attitré de cette clientèle cosmopolite.

Alors que l’Europe entre en guerre contre la France, la Toscane restée neutre demeure une destination paisible pour ces voyageurs. Tout au long du xviiie siècle, le voyage en Italie était devenu un passage obligé dans la vie de cette élite, majoritairement britannique. Durant ce long séjour, ces « touristes » découvrent les ruines et monuments antiques, se constituent une collection, se retrouvent dans les bals et les salons. L’éloignement du pays d’origine est l’occasion d’achever sa formation intellectuelle, mais favorise aussi les nouvelles rencontres voire les passions amoureuses.

Gauffier est le témoin privilégié de cette sociabilité. Pour cette clientèle soucieuse de garder le souvenir de son voyage, il élabore une formule originale de portraits, inspirée de Jacques Sablet et de la peinture anglaise : les modèles apparaissent en pied, dans des tableaux intimistes de petit format. Dans un savant mélange d’élégance et de décontraction, ils posent dans des paysages illustrant les monuments de Florence, le Palazzo Vecchio et le dôme de Brunelleschi. François-Xavier Fabre, bien qu’élève de David, subit pleinement l’influence de son camarade et s’adapte à ses formules novatrices.

À partir de 1794, la République française est victorieuse sur tous les fronts. La campagne d’Italie, menée par le jeune général Bonaparte de 1796 à 1797, provoque le départ précipité des voyageurs du Grand Tour et l’arrivée des Français à Florence. Occupée en 1799 puis en 1800, la Toscane est peu à peu satellisée par la France. Gauffier renoue avec ses compatriotes, diplomates, officiers et administrateurs, soucieux de se faire portraiturer et de garder la mémoire de leur mission ou de leur campagne en Italie. Avec habileté, le peintre élimine toute forme de rigueur militaire et propose une synthèse séduisante entre la traditionnelle décontraction du Grand Tourist et l’élégance chamarrée des uniformes révolutionnaires. Gauffier s’essaye aussi au genre typiquement anglais de la Conversation piece, ces « tableaux de conversation », mettant en scène plusieurs personnages dans des attitudes naturelles et illustrant les valeurs familiales.

La maladie pulmonaire qui minait depuis longtemps la santé de Louis et de Pauline Gauffier prend de l’ampleur en 1801. À peine a-t-il le temps de terminer son ultime portrait, représentant le général Dumas, officier né aux Antilles et père du romancier Alexandre Dumas. Pauline décède en juillet, suivie en octobre par son mari, accablé de chagrin, laissant deux enfants orphelins, Louis et Faustine. Les peintres Desmarais et Mérimée ainsi que le sculpteur Chaudet organisent la vente à Paris au profit des deux enfants, des tableaux restés dans l’atelier, tandis que François- Xavier Fabre recueille des peintures et dessins de son ami. Il les offrira, en 1825, au musée de Montpellier, sa ville natale garantissant ainsi le souvenir de Gauffier.

Le décès de Gauffier à l’âge de 39 ans met brutalement fin à une carrière en pleine évolution, notamment dans l’art du paysage. Les quatre tableaux de l’abbaye de Vallombrosa, peints en 1797, en sont l’exemple abouti et plein de promesses. L’abbaye, fondée en 1038 au cœur d’une forêt de hêtres et de conifères, au creux des Apennins, était devenue une étape bien connue des itinéraires de voyage. Remaniée en 1637, l’abbaye avait conservé un aspect monumental, comme une forteresse au cœur d’une nature souveraine. À la suite d’une commande dont on ignore encore l’origine, le peintre s’était rendu en août 1796 sur ce site, à trente kilomètres de Florence. À la différence de la tradition du paysage historique où la nature sert d’écrin à la narration d’un récit mythologique, Gauffier réalise, quatre « portraits » d’un lieu réel.

La préservation de toutes les études exécutées durant son séjour permet de suivre sa démarche avec une remarquable précision. C’est moins l’architecture du bâtiment que les beautés du site qui intéressent Gauffier. Le peintre retient quatre points de vue : à chaque fois, il dessine sur une grande feuille où, comme un géomètre, il analyse chaque plan du site, chaque essence d’arbre, chaque feuillage. Une peinture sur une petite toile, exécutée en quelques minutes, permet de conserver le souvenir de la lumière et des couleurs.

De retour à Florence, c’est au sein de l’atelier, à l’aide de ses études, que Gauffier compose les quatre grands tableaux. Les points de vue deviennent le cadre d’un récit se déroulant sur une journée : la visite de deux voyageurs élégants guidés par les moines de l’abbaye. Cette narration classique, fondée sur une unité de temps, de lieu et de sujet, est ennoblie par des libertés prises avec les études. Pour atteindre une beauté idéale, le peintre simplifie ses compositions et propose une synthèse magistrale entre les grandes masses géométriques du site et une attention minutieuse à la nature. Ce regard est magnifié par une science éblouissante de la lumière, qui parvient à suggérer le passage des heures, jusqu’à l’adieu final, avant le crépuscule.

À la veille du romantisme, Gauffier faisait du paysage le reflet d’un état d’âme, le souvenir d’une visite mémorable teintée de nostalgie. Cette sensibilité sera promise à un immense avenir, pour tout le XIX^e siècle. C’est la première fois depuis la mort du peintre, il y a plus de 200 ans, que les quatre toiles de Vallombrosa, les chefs d’œuvres de Gauffier, sont réunies à toutes leurs esquisses et leurs études.